Tron es una película de ciencia ficción producida por Walt Disney Productions en 1982. La historia sitúa a un programador que se introduce en los circuitos de un ordenador donde los programas tienen vida y personalidad propias.
Tron esta considerada como una de las primeras películas en las que se utilizaron gráficos generados por ordenador. El estilo visual de la misma, definido por el artista conceptual Syd Mead (Blade Runner o Alien, el octavo pasajero) es también elemento crucial en la cinta. También participó en su diseño el conocido dibujante galo Jean Giraud 'Moebius'.
Tron está considerada como una de las películas de culto en lo concerniente a animación digital. Ha sido, sin embargo, criticada por su interpretación y guión. Para crearla, Disney tuvo que utilizar la novísima Super Foonly F-1, la PDP-10 más rápida jamás fabricada.
Se utilizó en las imágenes engendradas por ordenador la técnica conocida como "animación con luz de fondo", que se filman en blanco y negro, impresas en películas de formato grande y alto contraste, para después colorearlas con técnicas tradicionales de fotografía y técnicas rotoscópicas, resultando un aspecto tecnológico. El proceso es muy laborioso y ninguna otra cinta lo ha realiado después.
'Tron' recibe su nombre por un comando en BASIC. En varios dialectos de este lenguaje de programación la orden TRON activa el modo de seguimiento de variables (trace) para ir escribiendo en pantalla la línea de código que ha ejecutado cada acción, lo que permite al programador visualizar lo que ocurre en el sistema. La orden opuesta se denomina TROFF.
sábado, 30 de agosto de 2008
viernes, 29 de agosto de 2008
jueves, 28 de agosto de 2008
martes, 26 de agosto de 2008
lunes, 25 de agosto de 2008
la última noche
"Me gusta la idea de una película que tiene lugar en un período de 24 horas", declara el director Spike Lee. Lee ya había experimentado con una historia que tiene lugar en un solo día en "Do The Right Thing" (Haz lo que debas), cuyo guión recibió una nominación al Premio® de la Academia, y le apetecía seguir explorando este recurso.
La idea surgió gracias a la aclamada novela de David Benioff, que se publicó en 2001. Antes de su publicación, Industry Entertainment y Tobey Maguire adquirieron la opción de compra de la novela de Benioff para llevarla a la pantalla. A la productora Julia Chasman y al Productor Ejecutivo Nick Wechsler les fascinó el material y estaban deseando darle al autor novel la oportunidad de escribir un guión inspirado en la novela. "Supuse que nadie conocía la historia mejor que yo", declara el escritor David Benioff.
El hecho de que Monty Brogan, el protagonista - que interpreta Edward Norton, el actor galardonado con un Premio® de la Academia - no fuera una persona honrada sino un condenado por tráfico de drogas no inquietó nada a Spike Lee.
El director nos lo explica: "No elijo las películas que dirijo en función de la simpatía que me inspiran los personajes. Monty Brogan es un traficante de drogas y supongo que hay personas a las que no les caerá bien. Pero, muchas veces, los personajes antipáticos son los que hacen que una película sea buena porque normalmente sus historias son más interesantes. Así es como elijo mis proyectos: elijo historias que me interesan".
Edward Norton añade: "Un actor no puede juzgar el potencial de una película o de un personaje en función de las elecciones que hace y que él probablemente jamás haría porque, si no, nunca trabajaría".
Y continúa: "Monty es un traficante de drogas, lo que no significa necesariamente que sea mala persona. Sus amigos, su familia y él tienen sentimientos encontrados sobre los demás y sobre el camino que ha tomado. En mi opinión, el guión parece sacado de la vida real y eso no es algo habitual".
La oportunidad de dirigir una película de grupo fue otro de los factores que convenció a Lee; la película trata sobre Monty Brogan, pero también de los personajes que rodean a Monty Brogan: su familia y sus amigos. "Me interesaba lo que piensa Monty, pero también las personas que lo rodean", declara el director. "Para ellos también es muy duro que Monty vaya a ingresar en prisión en 24 horas. ¿Qué le dicen? ¿Cómo actúan durante esas últimas 24 horas? ¿Hablan sobre ello? O ¿simplemente le dicen: 'Vamos a emborracharle para que se divierta'?".
"Esta historia reflexiona sobre temas que nos son familiares", afirma Norton. "Todos tenemos amistades con las que hemos acabado perdiendo el contacto. A veces, estás con alguien que conoces de toda la vida y piensas: 'si te conociera ahora no seríamos amigos'. Pero el pasado que habéis compartido os mantiene unidos. El guión se centra en el modo en que se desarrolla la amistad, que se mantiene a pesar del resentimiento que ha ido surgiendo y que no se ha expresado, y el modo en que las personas van distanciándose sin ni siquiera darse cuenta".
Barry Pepper, que interpreta a Slaughtery, un amigo de toda la vida de Monty, es consciente de que a pesar de lo turbulentas que son las relaciones que se desarrollan en la película, se fundamentan en el amor y no en el odio. Nos lo explica: "Son emociones básicas a las que se enfrentan todos los amigos. Siempre sentimos celos o deseamos lo que tienen los demás. En mi opinión, esos sentimientos están muy presentes en nuestra amistad. Por eso, las emociones son tan violentas en la película. Pero la palabra odio es demasiado fuerte para definir lo que sienten el uno por el otro. La palabra amor se adecua mucho mejor, porque al final se dan cuenta que se quieren como hermanos aunque no aprueben el camino que el otro ha seguido en la vida y deseen que todo fuera como cuando eran niños".
haz lo que debas
Tercera película del inmenso y siempre independiente Spike Lee escrita, dirigida y producida por él mismo. La cinta está ambientada en el barrio de Bedford-Stuyvesant, Brooklyn, y para muestra un botón en cuanto a la tensión antre etnias de los barrios humildes americanos, esta vez exacerbada en un verano caluroso. La secuencia es totalmente significativa de la denuncia en clave de humor y drama en la que se mueve el film, un buen ejemplo de la realidad racial norteamericana.
Una de las curiosidades de historia de la película es que Spike Lee la escribió a partir de un hecho real, cuando un grupo de chicos blancos asesinó a un chico negro cerca de la pizzeria New Park de Howard Beach, en el barrio neoyorquino de Queens, el 20 de diciembre de 1986.
no debemos olvidar que la historia transcurre en su totalidad en un sitio concreto y bien delimitado - para convertirse en arquetipos universales perfectamente extrapolables a cualquier otro lugar del mundo.
la acción y para imprimir al relato un ritmo trepidante, sin tiempos muertos, que acaba por atrapar completamente al espectador. La cotidianedad de los personajes y las tensiones que, poco a poco, el espectador va descubriendo entre ellos, son el motor que hace adelantar la acción, dando pistas inequívocas del posterior desarrollo de la acción, una brutal explosión de violencia racial que parece tan absurda como inevitable.
Una de las curiosidades de historia de la película es que Spike Lee la escribió a partir de un hecho real, cuando un grupo de chicos blancos asesinó a un chico negro cerca de la pizzeria New Park de Howard Beach, en el barrio neoyorquino de Queens, el 20 de diciembre de 1986.
no debemos olvidar que la historia transcurre en su totalidad en un sitio concreto y bien delimitado - para convertirse en arquetipos universales perfectamente extrapolables a cualquier otro lugar del mundo.
la acción y para imprimir al relato un ritmo trepidante, sin tiempos muertos, que acaba por atrapar completamente al espectador. La cotidianedad de los personajes y las tensiones que, poco a poco, el espectador va descubriendo entre ellos, son el motor que hace adelantar la acción, dando pistas inequívocas del posterior desarrollo de la acción, una brutal explosión de violencia racial que parece tan absurda como inevitable.
domingo, 24 de agosto de 2008
klerks
Primer largometraje del controvertido director de New Jersey, que estrenó en el Festival Sundance de Cine Independiente. Partiendo de una base muy simple, la película consiste casi exclusivamente en una hora y media de ágiles y expeditivos diálogos. El único escenario es un pequeño supermercado , el Quick Stop, una pequeña tienda 24 horas donde había trabajado Smith. Todo rodado en blanco y negro, la estética es absolutamente minimalista, hecho que hizo de la necesidad una virtud para el resultado final. El presupuesto para el rodaje era verdaderamente reducido, exactamente 27.575 dólares. No obstante, para conseguir el dinero del film Kevin Smith vendió parte de su copiosa colección de cómics en 1993, llegó a exprimir el crédito de diez tarjetas que tenían 2000 dólares de límite entre todas e incluso utilizó algo de los ahorros que poseía para sus estudios universitarios. Por último, utilizó el dinero del seguro del automóvil de su amigo Jason Mewes, quién acabaría interpretando a Jay en la película junto a Smith en el papel del Bob. Mewes acababa de recibir una compensación por la pérdida de su coche en una inundación. La película fue filmada en 21 días. La secuencia presenta a los personajes; se mantendrán después en toda la filmografía del director.
La cinta se convirtió en un sorpresivo éxito de taquilla ya que recaudó más de 3.151.000 dólares sólo en los Estados Unidos. Clerks ganó el premio 'Award of the Youth' y el 'Mercedes-Benz Award' en el Festival Internacional de Cine de Cannes en el 1994. Además, obtuvo tres nominaciones en los 'Independent Spirit Awards'.
La cinta se convirtió en un sorpresivo éxito de taquilla ya que recaudó más de 3.151.000 dólares sólo en los Estados Unidos. Clerks ganó el premio 'Award of the Youth' y el 'Mercedes-Benz Award' en el Festival Internacional de Cine de Cannes en el 1994. Además, obtuvo tres nominaciones en los 'Independent Spirit Awards'.
pulp fiction
En esta magnética secuencia, se colocó una prótesis sobre el pecho de Uma Thurman. La aguja fue colocada en posición inversa de modo que en lugar de penetrar, retrocedía al interior de la jeringuilla. Cuando Tarantino se enteró de la solución adecuada para que alguien que se encuentre en el estado en el que está Mia en el film, administrando una dosis intravenosa de agua salada, no le pareció sufiente. Ante esto, inventó la vertiente de la inyección de adrenalina.
Cuando la aguja atraviesa el corazón, se espera que sea uno de los momentos más atroces de la película, pero el público, curiosamente, lo aceptó sonriente. En un análisis plano a plano en la Universidad de Virginia, analizaron los motivos de los efectos de la secuencia en los espectadores. Quentin Tarantino no muestra la aguja penetrando el pecho. Corta a planos donde los personajes que rodean a Mia reaccionan al golpe, gritando y gesticulando. El lenguaje corporal y los diálogos acogen una escena grotesca pero la convierten en comedia negra, pero genuina. Todo está en el montaje y en los diálogos. También se encuentra, por supuesto, en la desesperación subyacente, motivada por los pensamientos y comentarios de Vincent sobre lo que le haría Marsellus si ella muere. probablemente algo mucho peor que por masajearle los pies.
Cuando Mia vuelve a casa tras el percance aventurero, hace un pacto de silencio con Vincent, y lo firman sellan dándose la mano, detalle que Tarantino muestra en primer plano. En el restaurante, cuando Vincent le pregunta por qué su marido tiró a Antoine por la ventana de un cuarto piso, Mia dice que no lo sabe, y que lo único que Antoine tocó fue su mano el dia de su boda. Ese apretón de manos no fue otra cosa que otro pacto de silencio, y por eso Mía no cuenta lo que realmente pasó con Antoine.
Cuando la aguja atraviesa el corazón, se espera que sea uno de los momentos más atroces de la película, pero el público, curiosamente, lo aceptó sonriente. En un análisis plano a plano en la Universidad de Virginia, analizaron los motivos de los efectos de la secuencia en los espectadores. Quentin Tarantino no muestra la aguja penetrando el pecho. Corta a planos donde los personajes que rodean a Mia reaccionan al golpe, gritando y gesticulando. El lenguaje corporal y los diálogos acogen una escena grotesca pero la convierten en comedia negra, pero genuina. Todo está en el montaje y en los diálogos. También se encuentra, por supuesto, en la desesperación subyacente, motivada por los pensamientos y comentarios de Vincent sobre lo que le haría Marsellus si ella muere. probablemente algo mucho peor que por masajearle los pies.
Cuando Mia vuelve a casa tras el percance aventurero, hace un pacto de silencio con Vincent, y lo firman sellan dándose la mano, detalle que Tarantino muestra en primer plano. En el restaurante, cuando Vincent le pregunta por qué su marido tiró a Antoine por la ventana de un cuarto piso, Mia dice que no lo sabe, y que lo único que Antoine tocó fue su mano el dia de su boda. Ese apretón de manos no fue otra cosa que otro pacto de silencio, y por eso Mía no cuenta lo que realmente pasó con Antoine.
el indomable will hunting
Correctísimo guión de Matt Damon y Ben Affleck que les valió un Oscar de la Academia. Una de las secuencias predilectas del film, ante una oferta de trabajo para Will:
Gran secuencia de la palícula:
Esta es una curiosa autoparodia de la secuencia del bar, con Jay y Bob el silencioso en el fondo del plano:
Gran secuencia de la palícula:
Esta es una curiosa autoparodia de la secuencia del bar, con Jay y Bob el silencioso en el fondo del plano:
trainspotting
Una de las grandes secuencias de la pélícula, sin duda. La canción de Lou Reed, Perfect day, acompaña a las tomas con una armonía que enmudece. La película está basada en una novela homónima escrita por Irvine Welsh. El término anglosajón 'trainspotting' se utiliza para refererirse a la afición relativamente popular en el Reino Unido de observar trenes. Este hobby es similar al de la 'planespotting', pero con aviones en lugar de trenes.
La película causó controversia en su tiempo, pues se decía que fomentaba el uso de drogas entre la juventud. La cinta está declarada como una de las cinco mejores películas británicas de todos los tiempos. Fue un auténtico bombazo tanto por su estética como por su contenido, y es allí donde brilla la película cuando se fusionan una estética que marcaría época y unos diálogos atrevidos y certeros pues nunca se había tratado de un modo tan crudamente humano el tema de las drogas.
La banda sonora fue también un éxito, ya que Boyle supo conjugar a la perfección la imagen y el sonido. La B.S.O cuenta con todos estos temas:
"Lust for Life" - Iggy Pop
"Deep Blue Day" - Brian Eno
"Trainspotting" - Primal Scream
"Atomic (song)|Atomic" - Sleeper
"Temptation (single)|Temptation" - New Order
"Nightclubbing" - Iggy Pop
"Sing" - Blur
"Perfect Day" - Lou Reed
"Mile End" - Pulp
"For What You Dream Of" (Full-on Renaissance Mix) - Bedrock featuring KYO
" – 2:1" – Elastica
"A Final Hit" - Leftfield
"Born Slippy .NUXX" - Underworld
"Closet Romantic" - Damon Albarn
La película causó controversia en su tiempo, pues se decía que fomentaba el uso de drogas entre la juventud. La cinta está declarada como una de las cinco mejores películas británicas de todos los tiempos. Fue un auténtico bombazo tanto por su estética como por su contenido, y es allí donde brilla la película cuando se fusionan una estética que marcaría época y unos diálogos atrevidos y certeros pues nunca se había tratado de un modo tan crudamente humano el tema de las drogas.
La banda sonora fue también un éxito, ya que Boyle supo conjugar a la perfección la imagen y el sonido. La B.S.O cuenta con todos estos temas:
"Lust for Life" - Iggy Pop
"Deep Blue Day" - Brian Eno
"Trainspotting" - Primal Scream
"Atomic (song)|Atomic" - Sleeper
"Temptation (single)|Temptation" - New Order
"Nightclubbing" - Iggy Pop
"Sing" - Blur
"Perfect Day" - Lou Reed
"Mile End" - Pulp
"For What You Dream Of" (Full-on Renaissance Mix) - Bedrock featuring KYO
" – 2:1" – Elastica
"A Final Hit" - Leftfield
"Born Slippy .NUXX" - Underworld
"Closet Romantic" - Damon Albarn
Choose life. Choose a job. Choose a career. Choose a family, Choose a fucking big television, Choose washing machines, cars, compact disc players, and electrical tin openers.Choose good health, low cholesterol and dental insurance. Choose fixed-interest mortgage repayments. Choose a starter home. Choose your friends.Choose leisure wear and matching luggage. Choose a three piece suite on hire purchase in a range of fucking fabrics. Choose DIY and wondering who you are on a Sunday morning. Choose sitting on that couch watching mind-numbing sprit-crushing game shows, stuffing fucking junk food into your mouth. Choose rotting away at the end of it all, pishing you last in a miserable home, nothing more than an embarrassment to the selfish, fucked-up brats you have spawned to replace yourself. Choose your future. Choose life.I chose not to choose life: I chose something else. And the reasons? There are no reasons. Who need reasons when you’ve got heroin?Renton
jerry maguire
La película fue premiada con cinco Oscars, pero pasará a la historia por la secuencia que consagró a Cuba Gooding Jr. como gran actor americano:
El plano es divertidísimo, pero la entrega del Oscar es para no perdérsela:
http://es.youtube.com/watch?v=cnCMqr1QRQw
El plano es divertidísimo, pero la entrega del Oscar es para no perdérsela:
http://es.youtube.com/watch?v=cnCMqr1QRQw
amor a quemarropa
Innolvidable secuencia protagonizada por Dennis Hopper y
Christopher Walken. Uno de los mejores 'cara a cara' con un buen guión detrás:
La cinta está llena de curiosidades y autoguiños de Tarantino. A saber:
- Clarence conoce a Alabama en el cine, viendo una sesión triple de Sonny Chiba. años después éste sería sería uno de los protagonistas de Kill Bill Vol. 1.
- En Reservoir Dogs, el Señor Blanco (Harvey Keitel) comenta que tuvo una novia llamada Alabama. ¿Se trata de la misma Alabama de Amor a Quemarropa? En la mente de tarantino todo es posible.
Tarantino no solo se nutre del rock de los 70'setentero, la serie b y el pulp sino que también se nutre de los clásicos y pone en boca de Clarence y el poli interpretado por Chris Penn el célebre "Algo huele a podrido en Dinamarca" de Hamlet.
- Clarance trabaja en una tienda de comics por lo que se hacen algunas referencias al Noveno Arte, concretamente al Nº1 de Spiderman y al Sargento Nick Furia.
- Dick (Michael Rapaport) hace una audición para un papel de esbirro en TJ Hooker, mítica serie de policias interpretada por William Shatner.
- La casa de Clarence esta llena de posters de pelis de Chow Yun Fat, uno de los célebres actores chinos.
- El fanatismo de Tarantino por el spaghetti-western queda demostrado cuando Clarence comenta que El Bueno, El Feo y El Malo es una de sus pelis favoritas, junto con El Cazador y la ficticia Vietnam Me Mata.
- El director de la peli, Tony Scott, se autoplagia el memorable tiroteo final en el final de una de sus últimas películas: Domino.
- Val Kilmer interpreta al Elvis no declarado en la cabeza de Clarence pero no llega a enseñar el rostro enfocado. Dos años antes hizo de a Jim Morrison en The Doors, de Oliver Stone.
- otra vez unas Converse All-Stars en el Cine: Alabama lleva unas All-Stars cuando van a ver al padre de Clarence.
Christopher Walken. Uno de los mejores 'cara a cara' con un buen guión detrás:
La cinta está llena de curiosidades y autoguiños de Tarantino. A saber:
- Clarence conoce a Alabama en el cine, viendo una sesión triple de Sonny Chiba. años después éste sería sería uno de los protagonistas de Kill Bill Vol. 1.
- En Reservoir Dogs, el Señor Blanco (Harvey Keitel) comenta que tuvo una novia llamada Alabama. ¿Se trata de la misma Alabama de Amor a Quemarropa? En la mente de tarantino todo es posible.
Tarantino no solo se nutre del rock de los 70'setentero, la serie b y el pulp sino que también se nutre de los clásicos y pone en boca de Clarence y el poli interpretado por Chris Penn el célebre "Algo huele a podrido en Dinamarca" de Hamlet.
- Clarance trabaja en una tienda de comics por lo que se hacen algunas referencias al Noveno Arte, concretamente al Nº1 de Spiderman y al Sargento Nick Furia.
- Dick (Michael Rapaport) hace una audición para un papel de esbirro en TJ Hooker, mítica serie de policias interpretada por William Shatner.
- La casa de Clarence esta llena de posters de pelis de Chow Yun Fat, uno de los célebres actores chinos.
- El fanatismo de Tarantino por el spaghetti-western queda demostrado cuando Clarence comenta que El Bueno, El Feo y El Malo es una de sus pelis favoritas, junto con El Cazador y la ficticia Vietnam Me Mata.
- El director de la peli, Tony Scott, se autoplagia el memorable tiroteo final en el final de una de sus últimas películas: Domino.
- Val Kilmer interpreta al Elvis no declarado en la cabeza de Clarence pero no llega a enseñar el rostro enfocado. Dos años antes hizo de a Jim Morrison en The Doors, de Oliver Stone.
- otra vez unas Converse All-Stars en el Cine: Alabama lleva unas All-Stars cuando van a ver al padre de Clarence.
snatch, cerdos y diamantes
Ángulos de cámara poco comunes, planos aberrantes y un montaje lineal cronológico y paralelo de acciones simultáneas son las claves de la segunda cinta del extrovertido Ritchie, tras Lock & Stock. Una de las secuencias principales, de entre tantísimas a rescatar:
La banda sonora de Snatch, hecha por encargo por diferentes artistas bajo específicas instrucciones del propio Guy Ritchie, cuenta con la participación de distintos artistas y bandas de la escena musical inglesa. Junto a algunos diálogos selectos de la película se encuentran temas de Massive Attack, Oasis, Mirwais y de su esposa, Madonna, entre tantos otros.
La banda sonora de Snatch, hecha por encargo por diferentes artistas bajo específicas instrucciones del propio Guy Ritchie, cuenta con la participación de distintos artistas y bandas de la escena musical inglesa. Junto a algunos diálogos selectos de la película se encuentran temas de Massive Attack, Oasis, Mirwais y de su esposa, Madonna, entre tantos otros.
sábado, 23 de agosto de 2008
El odio
Película de culto dentro del cine social europeo, “El odio” no sólo está magistralmente rodada, con una estética rompedora y una potente banda sonora, es sobre todo un auténtico ensayo sobre la situación social de los jóvenes en los guetos de los suburbios.
La película rodada en blanco y negro, es un estudio sociológico que muestra la cruda realidad de los suburbios de París, en los que sus habitantes se enfrentan al racismo, a la discriminación y al paro, con ira pero también con cierto escepticismo como el caso de Said. El film reflexiona sobre la situación política, social y económica en la que viven los jóvenes marginados de los suburbios.
Pero no es un documental, ni “cine de arte y ensayo”, sino una película muy emotiva dotada de un ritmo trepidante. Resulta imprescindible verla para comprender un poco el origen de los regulares estallidos de violencia que suceden en las ciudades francesas. Esas imágenes de violencia, aparentemente gratuita, tienen, como todo, una explicación. Con antidisturbios, mano dura y toques de queda no se soluciona el odio, se alimenta el odio.
Entre otras distinciones, El odio obtuvo múltiples nominaciones al Premio César de 1996, de las cuales ganó la de Mejor Edición (con Kassovitz y Scott Stevenson como recipientes), Mejor Productor (Christophe Rossignon) y Mejor Película (Mathieu Kassovitz). Asimismo, Kassovitz fue galardonado como Mejor Director en la edición de 1996 del Festival Internacional de Cine de Cannes.
La película rodada en blanco y negro, es un estudio sociológico que muestra la cruda realidad de los suburbios de París, en los que sus habitantes se enfrentan al racismo, a la discriminación y al paro, con ira pero también con cierto escepticismo como el caso de Said. El film reflexiona sobre la situación política, social y económica en la que viven los jóvenes marginados de los suburbios.
Pero no es un documental, ni “cine de arte y ensayo”, sino una película muy emotiva dotada de un ritmo trepidante. Resulta imprescindible verla para comprender un poco el origen de los regulares estallidos de violencia que suceden en las ciudades francesas. Esas imágenes de violencia, aparentemente gratuita, tienen, como todo, una explicación. Con antidisturbios, mano dura y toques de queda no se soluciona el odio, se alimenta el odio.
Entre otras distinciones, El odio obtuvo múltiples nominaciones al Premio César de 1996, de las cuales ganó la de Mejor Edición (con Kassovitz y Scott Stevenson como recipientes), Mejor Productor (Christophe Rossignon) y Mejor Película (Mathieu Kassovitz). Asimismo, Kassovitz fue galardonado como Mejor Director en la edición de 1996 del Festival Internacional de Cine de Cannes.
La vida es bella
Sobre la obra 'Un testimonio del Holocausto' de Vincenzo Cerami, Benigni creo una película emotiva, muy tierna. La secuencia final es polémica por el poco rigor histórico para unos y una de las más bonitas del cine italiano moderno para muchos otros:
El título original, La vitta è Bella, se extrajo de las últimas palabras del revolucionario ruso Leon Trotsky, en su último texto escrito, cuando sabía que estaba a punto de morir. La película fue premiada hasta la extenuación: Mejor película en el Premio del cine europeo celebrado en Londres. En Francia, Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1998. En Grecia, el Festival de Cine Internacional de Atenas le otorgó el Premio de audiencia. En Polonia, elFestival de Cine Internacional de Varsovia le premió con idéntico galardón. En Canadá, en el Festival de Cine Internacional de Vancouver salió como la película más popular del año 1998. En Italia, el Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine premió como mejor actor, mejor director, mejor historia original y mejor guión. En Francia, los Premios César la consideraron la mejor película extranjera en 1999. En Alemania, durante los Premios del Cine Alemán, también logró dicha distinción. En Australia, el Instituto de Cine Australiano opinó lo mismo. En Estados Unidos, y en los Premios Oscar de la Academia, la cinta consiguió tres Oscar, a mejor actor, mejor película extranjera y mejor música original en 1999.
En contrapunto, el cineasta Hank Heifetz, publicó un ensayo titulado 'La vida no es bella: ignorancia histórica, trivialización del horror, claudicación artística'. Uno de los párrafos dice: "El ejército ruso fue el que liberó Auschwitz, pero los absurdos históricos y de contexto son ya tan tajantes que sólo es posible encoger los hombros y recordar del gran escritor Primo Levi la imagen del primer jinete ruso, solitario y triste, que observa en silencio —desde un risco— el horror de los muertos y los moribundos o de los cadáveres ambulantes que apenas podían reconocerse como seres humanos del otro lado de la alambrada —interrumpida al fin la corriente— de Auschwitz". Puede consultarse el escrito íntegro en http://www.letraslibres.com
El título original, La vitta è Bella, se extrajo de las últimas palabras del revolucionario ruso Leon Trotsky, en su último texto escrito, cuando sabía que estaba a punto de morir. La película fue premiada hasta la extenuación: Mejor película en el Premio del cine europeo celebrado en Londres. En Francia, Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1998. En Grecia, el Festival de Cine Internacional de Atenas le otorgó el Premio de audiencia. En Polonia, elFestival de Cine Internacional de Varsovia le premió con idéntico galardón. En Canadá, en el Festival de Cine Internacional de Vancouver salió como la película más popular del año 1998. En Italia, el Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine premió como mejor actor, mejor director, mejor historia original y mejor guión. En Francia, los Premios César la consideraron la mejor película extranjera en 1999. En Alemania, durante los Premios del Cine Alemán, también logró dicha distinción. En Australia, el Instituto de Cine Australiano opinó lo mismo. En Estados Unidos, y en los Premios Oscar de la Academia, la cinta consiguió tres Oscar, a mejor actor, mejor película extranjera y mejor música original en 1999.
En contrapunto, el cineasta Hank Heifetz, publicó un ensayo titulado 'La vida no es bella: ignorancia histórica, trivialización del horror, claudicación artística'. Uno de los párrafos dice: "El ejército ruso fue el que liberó Auschwitz, pero los absurdos históricos y de contexto son ya tan tajantes que sólo es posible encoger los hombros y recordar del gran escritor Primo Levi la imagen del primer jinete ruso, solitario y triste, que observa en silencio —desde un risco— el horror de los muertos y los moribundos o de los cadáveres ambulantes que apenas podían reconocerse como seres humanos del otro lado de la alambrada —interrumpida al fin la corriente— de Auschwitz". Puede consultarse el escrito íntegro en http://www.letraslibres.com
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